• 储峰紫砂:任重道远 茗语书香

    2017-11-21 0浏览

    在紫砂的光芒下,有一人不事繁华,隐在后面, 他是理想主义者,用举重若轻的气魄做艰苦的工作, 他是完美主义者,身为大师二代,做出众多经典作品,仍然保持追求梦想的姿态。 他是储峰,紫砂人。雕塑与制壶兼通,文化与手工并行,各种汇合,是对他的完美诠释。 一 与储峰相见,是在一个黄梅时节的下午,太阳格外地给了好脸色。一见之下,我知道他是爱紫砂的。我也爱,但是爱得浮泛,跳跃且匆忙。他对紫砂的爱,沉稳、切实并持之以恒。一席茶话谈罢,对他坚持至今的紫砂梦,他雕塑与制壶兼擅的艺术功底,均记忆深刻。但是更令我深深赞叹的,是他的精研寸进,也是他的赤子童心。 二 储峰与许多紫砂大师的子女一样,也是属于命运中注定了要做紫砂的。他的父亲储立之,是紫砂雕塑这一艺术门类的开拓者之一,现在是江苏省工艺美术大师。储峰幼承庭训,在艺术功底、从艺做人等诸方面均承接了父亲的艺德人品,也承载了父亲的殷殷期望。 在储峰身上,我认为最难得的是一种艺术家才有的赤子童心。明代李贽有言:人不可失却童心,失却童心便失却真心,失却真心便失却真人。储峰的待人接物真诚厚朴,人品端方,但是稍一接触,便觉他全无机心,有着艺术家最需要的真性情。他的工作室偏居蜀山一角,若无熟人接引,挺不好找。但是若是找到了,发现了,便在朋友的心中忘不掉。风雅脱俗,但是也能化俗,于是客人不断,朋友常来。我常与他说文论陶,闲谈之中缓缓滑过很多好时光。 来往多了,了解深了,才明了储峰的不易,也懂得他的特殊。依照我这个自命朋友的眼中看来,储峰的特殊之处有三—— 他先从父亲学习紫砂雕塑,后又从中国工艺美术大师顾绍培学习制壶。由于同时学习两种艺术,所以自然就触类旁通,事半功倍。我说这话不是虚言,正是因为雕塑方面的功底,储峰在制壶、设计当中,壶钮的形象多样、形体逼真、形态传神等诸多方面,均让藏家称道不已。无论是壶体造型上的“虚”与“实”,还是雕塑形体上的“精微”与“粗犷”,他皆胸有成竹,所表现出的作品均收放有道、张弛有度。 他是挣扎在传统与创新夹缝中的“大师二代”,在创新方面付出了罕见的努力,收获了同龄人少有的成绩。储峰曾与我言,不妨把传统与传统文化分开观照。传统文化是好的,是整个民族温和的血脉,创造力的源泉。传统则是中性的,既是创新的母亲,也是创新的仇敌。如果在传统方面背负的太多太重,往往就会用最大的力气打进去了,却没办法走出来。储峰将这点做的很好。 他是少数有文人气脉的紫砂艺术家。“四大名石”系列组壶是他耗费了多年心血的富有创新精神的代表作品。几年前,为了突破紫砂的传统造型,拓宽紫砂的文化内涵和表现主题,他决心设计一系列反映文人气脉的紫砂作品。很自然地,他想到了古代放置在文人案头的名石清玩。以不同的造型为壶身,壶身方圆适宜,壶钮看似石头,实则是以不同颜色的紫砂泥捏塑而成。却让人一见之下,错认为石。再细细端详,虽是捏塑,但尽得文人赏石之真髓。 三 在欣赏储峰的作品时,我们能体会到一种难能可贵的“文人气”。把握了这种“文人气”,理解了他自己独特的“紫玉文心”,才会懂得,无论是《方壶抱朴》,还是他重述的“曼生十八式”,甚至连《e时代茶具》都不再是简单的对电脑鼠标的形象复制,而是他对现代书生案头环境的艺术表现。 从储峰的作品中,我们可以看到,他深入地理解和承继了紫砂陶艺传统,并且善于将原本在紫砂传统之外的元素吸纳、运用于紫砂创新之中,并初步形成了目前的艺术风格。 我想,除了他的艺术风格之外,真正了解储峰的人还应该从他多年来的创作节奏中收获很多。他创作新品并不以数量取胜,而是重质,或者一年一件,或者数年一组。所创作的每件新品往往都在表现形式上开拓了一条新路。多年来,他的创作历程是以舒缓的、个性化的、悠闲松弛的面目被藏家珍视,被业界认可。他不疾不徐地创作,让我们领略了其作品艺术的同时,也欣赏了他生活的艺术。 他在用不同的题材表现着自己同样真诚的内心,同样执著的灵魂。没有永恒,没有恒久不变,只有他手中的工具和面前的工作台见证了一切。

    储立之紫砂艺术紫砂作品

  • 紫砂非遗传承人顾美群:躲在寂寞角落里

    2017-11-17 2浏览

    紧靠太湖的洋渚村,多年前我也去过,记忆中,那是汪着一滩水的村落。波光倒影里,人影绰绰,房舍清明,白黛烟青,草茂树繁。当时,最羡慕的是那里的女子们,坐在闺房里,不绣花,不作鞋,而是把玩着手中那团湿润的泥,那泥不粘手,却糯软;不生硬,却刚坚;不艳俗,却水灵。 猜想,那时候,顾美群肯定也坐在闺房里,做壶备嫁妆。母亲和她坐一排,两张泥桌,两张竹椅子,两把泥搭子,两团泥。泥在搭子的拍击下,快乐地吟哦,而美群在母亲的话语里倩笑…… 感谢岁月有情,感恩陶都文学院,仆仆红尘中,让我有机会和美群同窗共读。一方清雅的角落,我们彼此交换着快乐心得,浅浅深深,明媚了日子,精彩了生命,从此成为可说话的朋友。 美群的“美陶缘”工作室不大,但却“赫赫有名”,接待过来自美国夏威夷大学、美国奥斯丁·P大学、韩国弘益大学、韩国檀国大学、景德镇陶瓷学院等世界知名大学的教授和学生们前来研习陶艺。正如陶协会长史俊棠所说,在美群的精心撮合下,每年总会有几批欧美陶艺家甚至国际陶艺学会会员光顾洋渚村,使这个太湖边上的小镇蓬荜生辉。 而此刻,这里,安安静静的。风从窗外吹进来,带着青草的味道。美群和母亲并坐在茶桌边,细致地帮母亲把车厘子的果柄摘去,一个个塞进母亲的嘴里,母亲笑得像个孩子般单纯,她告诉我,以为自己78岁呢,原来87岁了啊。她告诉我:“小小的美群在还没有泥凳子高的时候,脚下垫着一张小木凳,乖巧地在我的身旁,不停地捏弄泥巴,看着她安静、认真的专注神态,我就喊她‘小师傅’。”正是这种特殊的“待遇”,使得美群在幼年时就与紫砂结下了不解之缘。 说过的话,走过的路,做过的事,有过的梦,获得的成功,只有经历过,才知道。1989年,有7年制壶工龄的顾美群,因为技艺超群,被宜兴紫砂工艺五厂聘请去带徒工班。年轻的顾美群走马上任后,面对求知若渴的徒弟们,内心波澜起伏。压力就是动力,她决定边教边学。母亲周文清打头阵,凭着老同事的关系,走东家奔西家,帮美群联系师傅。晚上,美群骑着自行车,今天跟这位师傅学贴竹叶,明天跟那位师傅学绣梅花。白天,美群把学来技巧,经自己的手实践后,再教会给她的徒弟们。那些年月里,是美群制壶技艺迅猛见长的日子,因为博采众长,所以避免受制于某一门派的局限。 又是中秋。月到天心处,风来水面时。那般的清意味,料得少人知。其实呢,世间皆般事,都在静中见,人情若淡守,始终情谊长。安然一份禅心,便可固守一份超然,所以,真正的艺术家是躲在寂寞角落里微笑着的“小神仙”。顾美群爱静,却不自闭于一舍,因为艺术需要交流。从1998年开始,顾美群陆续到过景德镇、台湾、美国、日本、韩国、丹麦等地的陶瓷产区、艺术中心和博物馆,并在当地的大学里,为他们做壶艺讲座和示范教学。 陌上流年婉转,飞花飞去又飞来。顾美群除了出去艺术交流,就是静静地坐在泥凳前,轻拾那一团砂泥,一壶清雅,一壶心语,柔了岁月,艳了壶途。她在最美的年华里,把自己活成一朵荷,不为懂得,只为慈悲。她说,30多年的砂海搏浪,让她感到喜悦和欣慰。让她感到喜悦的是,儿子在她和丈夫的督促下,学有所成,并且在传承的基础上有了他自己的独特艺术风格。让她欣慰的是,她的徒弟中,有好几位已经成为砂海弄潮儿,还有好几位正在扬帆出航。不求桃李满天下,只求堂前花满枝,路漫漫兮,她将上下求索……

    紫砂泥紫砂艺术宜兴紫砂

  • 徐汉棠得意弟子李霓:紫田耕耘 文脉

    2017-11-17 2浏览

    李霓从小生长在紫砂之家,家学对她的影响很深。她崇尚“文人派”作品,一是“文人派”作品素面无华,二是行云流水,写意而又工整。在这一方面,顾景舟大师堪称是“文人派”的代表。她的父亲李昌鸿、母亲沈遽华都是顾景舟的徒弟,双双在紫田耕耘半个多世纪,又堪称是当今“文人派”紫砂的代表。作为女儿,她踏着父母的足迹,在“文人派”紫砂里寻找自己的那么霓虹。她创作的“翔云提梁壶”就深得“文人派”的神韵,获得包括她父母在内的众多紫砂行家的好评。 李霓常说,一把壶可以是一个故事,一段情愫寄托,一个无可言说的念想,一个美丽瞬间的定格,一个哲理深远的成语。随着制壶技艺的不断成熟,设计理念的不断飞跃,李霓在自己的作品中更加注重文化内涵的开掘。她有一本“尺寸簿”,不离不弃,已用了30多年,她每设计一件作品,都在这本“尺寸簿”上留下了纪录。有人说,她的父母都是紫砂大师,创作了很多作品,她作为女儿完全可以承袭。李霓不这么想,她可以在“大树”下乘一乘凉,但更应该多为“大树”添绿。因此,她的作品虽然烙着“李氏文人派”的印记,但大多数都有自己的面貌。如今,李霓的那本“尺寸簿”上,记录着150多个她历年来制作和设计创作的重要作品。 李霓喜欢大自然中的霓虹,但她更喜欢壶中天地里的那片霓虹。因为这片霓虹里有她的梦想,有她对紫砂艺术的执着追求。已经在紫砂这片园地里耕耘了30多个春秋的她,期盼着壶中天地里出现更多的霓虹。李霓说,紫砂文化没有止境,她对紫砂文化的追求没有终点。进一步把文人派这一风格承传下去,这是她今后的主要任务。她从父母的手中接过“接力棒”,再把“接力棒”传到下一代手中去。 文静、纤柔、娇小,这就是江苏省工艺美术名人、高级工艺美术师李霓。然而,就是这么一个文静、纤柔、娇小的江南女子,在紫田耕耘不,创作出了许多文化内涵丰富的紫砂壶······ 人物介绍 李霓,1963年1月出生,1980年12月考入宜兴紫砂工艺厂,师从紫砂名家李碧芳、胡永成学习制壶技艺。1983年经过考核被择优选送到紫砂工艺厂研究所深造,拜中国工艺美术大师徐汉棠为师学艺,同年参加中央工艺美术学院在厂举办的造型制图班学习。1985年至1986年先后到江南大学和上海外贸职工大学进修,结业回厂,跟随母亲(江苏省工艺美术大师)沈遽华学习制作设计,并独立设计、制作。经过多年的实践、探索,作品形成了自己的风格,曾多次获全国大奖,并参加国内外展览,深受业界好评。 1983年,全国陶瓷评比作品“新环三角”荣获三等奖。 1986年,江苏省青年创作设计评比中作品“四件流线形组壶”荣获一等奖。 作品“怡圃壶”1986年创作,得上海画家陆俨少大师厚爱,授“陆壶”誉称。 1989年,与徐萍合作的“器件流线型组壶”获江苏省轻工业设计评比第一名。 1990年,“明月壶”参加香港锦锋公司十周年纪念展。 1994年,多件作品参加新加坡龙华名壶展。 1996年,多件作品参加马来西亚名壶展。 1999年,中国工艺研究院举办“共和国50周年艺术展评会,作品“吉祥壶”荣获二等奖 2001年,第三届中国工艺美术精品博览会,作品“祥壶”荣获铜奖 2001年,“五色土组壶”参加中国工艺美术展。 2002年,第三届中国工艺美术大师作品及国际艺术博览会,作品“随方就圆”荣获铜奖 2002年,第四届中国工艺美术大师精品博览会,作品“十一头神州茶具”荣获银奖。 2004年,“双圈壶”获第五届中国工艺美术大师作品展暨工艺美术大师精品博览会金奖 2005年,“神州壶”捐赠丁山小学《陶娃学紫砂》教材课本。 2008年,“翔云提梁壶”获中国上海国际艺术节第十届中国工艺美术大师精品博览会金奖. 2009年,参加八集电视连续剧《中国紫砂》第二部的拍摄。 2009年,作品入选全国政协举办的“中国当代十佳紫砂大师经典作品展”。 2010年,参加“庆百年三八展巾帼风采”宜兴女陶艺家创新作品展。 2010年,参加“陶都风”中国宜兴陶瓷艺术上海展。 2011年,参加“陶都风”中国宜兴陶瓷艺术深圳展。

    李昌鸿顾景舟紫砂艺术

  • 新生代实力派名师施昌:紫砂年轻一辈中

    2017-11-15 2浏览

    施昌,1992年4月生,陶都宜兴颇具才情和潜质的青年陶艺从业者,江苏省青年书法家协会、无锡市书法家协会、宜兴市美术家协会会员,中国地质大学艺术设计专业本科学历。16岁便师从著名泥绘陶艺家国家级高级工艺美术师张志清先生学习紫砂泥绘技艺,绘画师从宜兴市徐悲鸿画院院长、中国美术家协会会员蒋焕余先生,书法师从两届“兰亭奖“佳作奖、首届中国书法院奖提名奖得主何勇先生得其真传,在师承师父风格的同时,又有自己的个性,作品布局精妙,泥绘用色浓淡相宜,山水花鸟细腻逼真,人物个性鲜明,师法自然如得地之造化,让人如临诗词古人之境。 紫砂年轻一辈中的佼佼者,天资聪颖。他为人朴实,谦虚好学,学艺至今,创新获奖作品不断,2013年、2014年、2015年、2016年、2017年连续五年获全手工比赛一等奖,目前唯一一个通过三年一等奖破格升助理工艺师的第一人,还入选2016中国技能大赛——全国陶瓷职业技能竞赛总决赛。这位90后的小伙子,后劲不一般。 2015年9月参加第八届中国宜兴陶艺节“紫艺宏光”中青年实力派陶艺作品评审获评金奖,是当代紫砂年轻一代中的杰出代表。学艺同时不忘文化知识积累,于南京师范大学本科深造。其作品有古画之风致,今人之雅意,遂得国内众多壶友与藏家之赞誉。《荣宝斋》杂志主编、荣宝斋出版社社长、荣宝斋拍卖公司总经理、荣宝斋画院院长、中国美术家协会理事唐辉先生欣然为其工作室题词“论道天地”,中国著名文化名人修先台、许宏泉、方书华观其作品后分别题词“泥绘乾坤”、“妙造桃源”、“江山揽胜”,以奖掖勉励。 悦和 施昌在紫砂壶上创作时,在“构图”与“意境”上,做到了画面气氛与艺术美感的有机统一,让观赏的人拥有思考、参与、回味的视觉和心理空间,那他是如何做得到这样的亲人艺术效果的呢?归纳起来有以下三个方面原因: 立题明确,结构有质感 施昌的作品,主要是以山水等自然景象为主,青山远黛,远山房舍,舟桥流水,无不精致巧妙。同时,他还因地域环境、四季、气候的不同,让这些景象千姿百态,绚丽多彩。在有限的壶身上所能描绘的山水等景象是有限的,而施昌善于精选题材,以实求虚,以有求无,以真求神,把无限的风光给予有限之中,结合壶形,进行合理的构思、布局,扬长避短,让紫砂材质与山水画面结合起来,灵韵尽显,呈现出一幅有立体感的美丽画卷,营造出了一种“天外有天,山外有山”的意境。 六方提梁 画意萧远,布局很合理 施昌觉得,在壶上作画,更需要好的构图、好的布局。因此,他作品的构图与布局,形象丰富,层次较多,画面中的近处山、桥、村、树,错综有致,远处林立,数座遥岑,聚散与疏密相近,在远山与近岸之间,留有大片空白,给人以絪缊之气穿行其间的想象。除此之外,他的作品因为布局合理,注重远近的搭配,动静的结合,使人看了以后,觉得很顺畅,有种乱中有整,开合自如,气脉贯通的感觉,显得清润而又有层次感。 古风韵味,意境显完美 紫砂泥绘艺术的生命与灵魂,与作者的功力、学识、修养、人格、品位及审美追求密切相关。施昌在创作时,除了构图和布局,还在意境上下了不少的功夫,他的作品,画面气氛、内容基调和艺术美感三者之间有一种和谐的美感,清淡幽雅,小桥流水人家,静谧自然,色彩搭配和谐,没有艳丽的色彩,却有一种无中却有、有中即空的高端艺术表现手法,将整个物象置于苍茫天地与生物的空灵之中。所以欣赏吴龙陶瓷山水作品,有“咫尺之内而瞻万里之遥,方寸之中乃辨千里之峻”的意境效果。 一把好的泥绘山水画壶,可藏风聚气,可增加贵人运。那么,什么样的壶能让人开运?我认为,能让你觉得舒服的壶就是能开运的壶,艺术上美的享受,可以改“风水”,可以增加“运气”,由古至今,均是如此,其艺术作用当然是正面的。拥有这样意境的壶,更是一种彰显中华民族艺术的最佳方式,更是一种文化的传播与保存,更是彰显自身品位的不俗雅物。

    泥绘张志清陶都宜兴

  • 张正中的紫砂情怀:作品有思想才会有灵

    2017-11-15 2浏览

    张正中浓密但不突兀的络腮胡,给人的第一印象就是个性豪放不拘,很有艺术家的气度。谈到紫砂壶,张正中有着自己的独特见解:“千万不要把紫砂壶当做另类艺术,其实在艺术层次上它和书画、雕塑等并无二致,只是媒介材料、工具、表现工艺角度不同,它是完全可以和所有艺术品项放在同一个天平来评论。”他善于从生活的大视角来定义艺术:“当一道料理端上桌的时候,你可以单纯的把它想成一道食物,但若是换个角度思考,也可以把它当作一件精致的艺术品。这种论点可以套用到任何事物上,而完全取决于你想用那个角度去思考它。”饱含哲理! 曾有评论家在研究张正中的作品时,引用宋代襌宗大师青原行思提出的三境界“看山是山、看水是水;看山不是山,看水不是水;看山仍然是山,看水仍然是水”来形容张正中的紫砂技艺从“壶”升华至“非壶”的境界,这与张正中独特的艺术观是一脉相承的。 张正中始终认为,紫砂艺术基础技法的培养是非常重要的,能做到位的学徒没有十年是磨不出来的。紫砂工艺性极高,不易掌握,而制作紫砂壶的最高境界,则是忘记所谓的"技法",将其内化成制作者的本能,有心而生,有心而制。但是,现在的紫砂壶制作多是停留在工艺上,缺乏内化的过程,同时,大量的模具也使紫砂壶制作技艺的发展受到较大的冲击。 其实紫砂对技艺的依赖是有历史渊源的。在历朝历代中,紫砂都占据着较高的文化地位,是“文人墨客”的把玩器物,而文人要求的高品质,也造成了对紫砂艺术的一大错误认知,即认为紫砂壶的品质高低完全取决于技法。因此,演变成只争技巧高低拙劣,忘记了创新才是艺术的根本。古今中外有太多制壶者因拘泥于钻研技法,而不知道该如何从“形式”走出来,因此迷失了作品最重要的关键——创作者的思想,扼杀了创新与突破的无限可能性。”技法”是进入紫砂世界的“根”,但是要如何“破土重生”更是所有制壶者、乃至是艺术家终生须追求的课题。“好的紫砂壶不仅要有好的材料和工艺,还要有创作者的思想,有思想的作品才是有灵魂的作品。”;“培养技法是制壶基础,忘掉技法是创新开端。” 紫砂发展到目前这样一个特殊阶段,张正中站在一定高度后的这种回望与反思就显得很有价值。 他建议后辈不只要钻研技术,更要有表达自己思想的作品出来,回归创新。紫砂技术虽独一无二,但艺术地位仍相对较弱,加强其艺术地位,成为“我”辈中人不可承受之重与终身的职志。一个创作者必须要有自己的思想。“创新是最好的传承。要在作品中融入自己的思想,才会成为有灵魂的作品”,这是张正中艺术之路的中心理念,创作的灵魂支柱,是他创造不朽巨作的根源。 张正中拥有广阔的艺术视野,他强调,紫砂不应只局限在“只能做壶”的框架中,传统的认知中,紫砂壶是公认适茶性最高的茶具,而紫砂泥也是可塑性最高的材质,但若能从新的角度去做突破,紫砂就是紫玉的境界了。张正中曾以紫砂工艺来创作出抽象意境的陶瓷,并入选全国美展,让紫砂呈现出新的生命与形状。这种结合现代艺术的手法,最终开创出属于他自己的技法,并获得了极大成功。 艺评家何平博士曾说:“张正中的紫砂艺术之路,是从潜心研究老前辈的经典开始的。”但他并不是一味的模仿,而是从模仿中,去体会、感受作者所要表达的意思,再结合传统文化、地域文化精神以及紫砂独特技艺,最深刻地了解这件艺术品真正欲传达给世人的思想,并从中领悟出自己的一套做法。而正是他的这种谦卑却又大胆尝试的性格,造就了今日不凡的地位。 张正中的紫砂情怀也体现在对紫砂艺术品的价值判断及对紫砂功能属性的熟练把握上,他表示“虽然大的拍卖有专场,但它的门槛高了些,因此还没有形成大众的普及。不像绘画和雕塑的认识直接,认识紫砂需要一定的常识。它的文化内涵是有门槛的,老百姓只是用它跟风喝茶,真正认识到其中的价值不多。” 通过多年的实践,他对紫砂的属性非常熟悉。对于紫砂的属性非常熟悉“紫砂的包容性非常强,和金属、玻璃、陶瓷等材料比较,紫砂壶泡茶的效果最好;茶的回旋和展开性,都是通过紫砂发挥得最好。此外,它还有透气性和保温性。” 张正中认为“泡茶的过程,就是舒缓精神的过程,现在的生活节奏太快,神经绷得太紧,喝茶可以让快节奏的生活找到一个安静点,给自己心灵找一个沉静的地方,这也是最重要的。

    紫砂艺术张正中紫砂壶

  • 紫砂名人徐元明:心境如一静抟砂 浮

    2017-11-13 2浏览

    江苏省工艺美术名人、江苏省陶瓷艺术名人、研究员级高级工艺美术师徐元明是当代紫砂工艺靠手下的技艺赢得壶友赞许的艺苑“长青树”,早年在台湾地区早已留下一断壶艺美名,他师从当代著名的工艺美术大师徐汉棠先生,在相当长的一段与师父青眼相待的日子里,给了他内心沉淀埋头壶海的因子和不悔的艺术追求。 也许学做一把紫砂壶只需要几个月的时间,然而学会一门手工艺术,达到一定的艺境却需要长久的心手相传的积累和文化积淀。徐元明先生在开始学做第一把壶的时候,就已经知道潜习紫砂艺术是一场持续苦练的过程,甚至将用一生去爱手头的这份老祖宗传下来的绝活。因此,徐元明对于制壶,一直有着自己的执着和目标。他以自己一颗赤诚之心行走在紫砂的大道上。 随着时代的发展,模具走进了紫砂的世界,它的便捷又不失美观成为了诸多制壶人的选择。然而徐元明却拒绝了这个“捷径”。在他的心中,紫砂艺术是表现个人素养的艺术,如果用了模具,那只能剩下千篇一律的流水线产品,完全背弃了艺术的本质,他拒绝那种虽然精美,但却僵硬的机械的紫砂工艺品,他坚持心中对艺术的态度,坚持用传统的全手工技法来制作属于自身特色的艺术品。 君子情套壶 从1981年结缘紫砂壶艺至今,徐元明一直在修行自己的壶艺,和自身的综合艺术素养。在此过程中,徐元明的心性也变得越来越平和。从五色土到紫砂壶,是一个繁琐的过程,经过十到甚至几十道复杂的成型工序。要完成这些工序,一是要靠艺人的制作技艺,一点点的精雕细琢,一次次的拍打成型;二是要靠繁多的制作工具,两者缺一不可。制壶的技艺是平时磨炼的结果,而工具也不是直接就能上手的,即使是买来的成型的工具,若是不经过本人的打磨也是无法完美的配合使用的。做大事者无琐碎,生性追求完美的他,对细节都异常的重视,同时这也练就了他平和的心态。 对于紫砂艺术,徐元明一直保持着冷静的心态,不以速度来取胜。掌握了制壶的技法之后,他又花了大量的心血用于研究传统的紫砂铭壶。历代紫砂名家流传下来的传世之壶,对于致力于艺术传承的紫砂人来说,不仅仅具有极高的文化收藏价值,对于现代紫砂壶的创作也是极大的促进作用。制作一把好壶,要求制作这能将自己对世界的理解、对生活的感悟、对人生的体验全部凝聚其中;光是这样也还远远不够的,还需要作者有对美的深刻的、独特的理解,并且能够把自己的理解通过细致的、艺术的、富有美感的方式表现出来。对传统名壶的研究就是学习古人对美的理解和表现,学习先人如何把当时的文化和审美融合在紫砂壶上,创造出恒久的艺术魅力。 竟媚清香 在学习传统的过程中,对名壶的仿制是个必不可少的过程。不仅可以检验自己的制壶功底,还可以验证自己对文化的传承和对美的表达。《云龙壶》是徐元明对传统的理解。壶型由鱼化龙壶转化而来的。壶盖上一条龙钻云而出,峥嵘的龙头不已,龙头伸缩自如,仿佛在云中穿越。壶盖中央是一朵立体的云,配合着活动的龙首,更加具有层次感和感染力。壶身浮雕这水纹一般的云彩,层层排列的曲线,营造了丰富的节奏感,使得云层更具动力,风起云涌,气势非凡。在那云层之中,另有一条蛟龙在翻腾舞跃,龙头探出云层,浅浮雕的雕琢手法,看上去气势威严。大开的龙口正朝下喷水,似乎想要大降甘霖,灌溉万物。壶身的龙雕琢得精致逼真,而壶盖上的则是抽象简约,两两相对,又各有不同。飘动的云尾延伸成了壶嘴,从云端下垂的龙尾圈成了壶把。此壶延续了传统的神韵,又加以作者自己的设计和改变,气韵贯通,富有新意,虽是传统器型,却能让人耳目一新。 “功底扎实、前途有望”这是徐汉棠为爱徒徐元明的艺术陶室所题赠词。这句话是徐元明铭记于内的座右铭,也是师傅对徒弟的赞赏。当其他人都看到了徐元明的紫砂壶在不同规格的展览会上屡获大奖的时候,也就是他的师傅注意到了他一次次的进步和突破都来自于背后的艰辛。为了创作紫砂壶,他常常在工作室中,一人独坐一天,只是埋首工作,几乎不发一言。他的努力纯粹的只是为了追寻更广阔的艺术天地,如同一位城市隐士,杜绝世俗名利的诱惑,当别人都在为名求利地奔波忙碌时,他的时间都用在了创作磨练上。一个人的时间用在了什么地方,他的作品就是最好的答案。平时从不刻意宣传的他,也是通过作品让越来越多的人们注意到了这个谦和的人。 徐元明为部分弟子授艺 以壶交友,因壶结缘。徐元明的不少壶友,都是从喜爱他的作品开始。徐元明的紫砂壶,就如同他的人一般,真诚而纯粹,不论是素雅的光货还是多彩的紫砂花器,都带着自得其乐的闲适情趣,在这个浮华的社会中,这种特质尤其叫人向往。 徐元明在创作时,常常选择“竹”为题材。他身处江南陶都,竹的身影几乎随处可见,青翠挺拔,奇姿出众。而且受到传统文化中的影响,徐元明也有着文人雅士的“竹子情节”,对于飘逸幽静的竹,偏爱有加。 《方竹茶具》就是他完全选用“竹”的各种形态设计而成的紫砂套壶。壶身和杯筒都呈四方的竹段形,由于面与面的衔接平缓柔和,使得壶身没有清晰的棱线,显得刚而不脆、韧而不柔。在两只茶杯上,竹节状的腰线装饰在杯子的中间,凹凸相间的线条,使得茶杯在视觉上具有动感,更加的活泼。两只杯子的装饰虽然都是从竹节上伸出的纤细竹枝,但是却各自拥有不同的构图:一只是从中间生出,直指上下两个方向;一只从棱线斜长而出,向着横斜方伸展,正好“一纵一横”,相对而立。壶身的竹节正好在四方形壶嘴的下方,在壶身的三分之一处,高高的腰线,使得壶身在观赏时显得身形更高,更为挺拔。圆形的壶盖上,小小的竹段立在上头,竹节下伸出的细枝连着轻薄飘逸的竹叶铺在壶盖上。四方形的壶嘴和壶把,修长舒展,与壶身像连,粗细立显,更叫人觉得潇洒秀丽。整个壶的设计,大局上注重沉稳质朴,细节方面又精致细腻,完全展现了竹的神采和风韵,追求刚柔相济的境地,营造了外刚内柔的意境。 徐元明指导爱子徐聪壶艺 在传统文化中,人们常常把“竹”和“松”、“梅”连在一起,由于三者都在寒冬时节万物销残时分,仍然保持顽强的生命力,而被人誉为“岁寒三友”。徐元明将让这三友在同一把紫砂壶上相逢,取名为《挚友壶》。虚扁的壶身,线条流转跳跃具有动感。壶底乳丁状的壶足悄然而立,壶足的支撑,使得壶体更加灵动,让壶身具有鲜明的明暗对比,营造出不凡的气势和力量感。三弯的壶嘴从壶身自然胥出的,仿佛那梅枝就是长在壶身一般,两者浑然一体。拱桥形的壶钮,中间是一段竹枝,竹节的两头分别连着梅枝和松段,松梅与壶盖相连,枝头上的梅花和松针各自贴在壶盖的两侧,两两相对,泰然处之。高耸的提梁由细韧的竹枝弯折而成,与壶身相接处,枝头的几片竹叶也顺势而下,贴在壶身作为装饰,长长的枝条上几处竹节清晰自然,爆出的几个竹芽,让人感受到竹子强劲的生命力。松、竹、梅在壶上各自为阵又紧紧相依,它们的关系如同人们一直追求的“君子之交”,他们相互信任,彼此珍惜,建立在道义基础上的交情高雅纯净,清淡如水。 创新是艺术的灵魂。有了几十年的制壶功底,让徐元明在创作时进行了大胆的创新。《驼竹》壶,即使选用的是传统题材“竹”,由于独具匠心的设计,同样能给人全新的享受。流、把、钮、足皆是竹形,把竹的神韵贯穿上下。壶的造型似骆驼,壶嘴是头,壶把是尾,壶盖是抽象的驼峰。由于壶盖和壶身的两个不同重心,产生了静中有动的艺术效果。修长的壶足让壶体更加挺拔高大,给人大步向前的气势。作者将竹的坚韧朴实和骆驼在沙漠中不屈不挠相结合,发人深思。

    徐元明徐汉棠紫砂艺术

  • 采访研高曹亚麟:紫砂五美 不限于壶

    2017-11-13 2浏览

    问:紫砂壶的基本属性是日用喝茶,那您觉得它的艺术性又体现在哪些方面? 曹亚麟:中国的许多艺术,都是从日用不断发展而成为艺术的,这其中的文学和书法就是如此。文学和书法都是从文字发展而来的。文字是传递语言和思想的“日用品”,不是“艺术品”,文字经过艺术家的艺术创造而成为文学艺术和书法艺术。文学艺术和书法艺术便从文字的“日用品”转变成为了“艺术品”。我想紫砂也可以如此,也一直能够如此。紫砂和书法在形式上更为相近:书法是二维平面视觉艺术,其中的草书点线面组合挥洒自如、千变万化,更具艺术性。而紫砂从抽象的角度看,是以各种线面和立体组成的,这也应该是构成三维立体艺术的基本元素。从这个角度看,它具备构成艺术的基本要素。因此,我们完全可以用各种不同的立体元素构成(创作成)各种不同的立体艺术作品。这就使紫砂从日用发展成为了艺术。 我们不难发现,紫砂艺术发展到今天,已明显分成了两类:一类是日用品,一类是艺术品。主要的区别在于其是否是作者“原创”。是“原创”并且创造得好、制作工艺精美,能给人特别的美的享受,这才是真正意义上的艺术品。人们常说“艺术无价”,是说其价值之大不是价格所能衡量的。在艺术创作的人群中,只有极少数人具备创作出较高艺术水平的作品的素质和能力。这种风格独特、能给予人们独特美的享受的艺术作品,是不可多得的、不可替代的,是人类艺术的瑰宝。由此可见,艺术是无价的。 问:您常说的紫砂有“五美”,是哪五美? 曹亚麟:在长期的创作实践中,形成了自己的体会与感悟——紫砂的艺术创作要有五个美。一是艺术创意的美:艺术创意,能给人特定的美的享受,这是艺术作品的本质功能,也是艺术作品的主要标志和必备条件。二是思想感情的美:要能在作品中注入作者的思想感情,使之能净化心灵、陶冶情操。三是使用功能的美:让使用者使用起来舒适满意。四是制作工艺美:制作工艺精致、精美。五是泥料材质美。能使茶达到色香味俱全的最佳状态,同时又能令紫砂壶“使用经久光润如玉”。满足了这“五个美”才是一件好的紫砂艺术作品。 曹亚麟制福寿壶 问:紫砂壶的创意美感从何而来? 曹亚麟:作者原创的艺术创意,给人以独特的艺术美的享受。这是艺术作品的主要功能和标志,所以这是我们搞艺术创作的人首要追求的。这种原创的艺术创意及其独特的艺术美感是作者用专业的眼光和头脑去观察和研究自然,从中得到艺术美的发现,并用艺术作品的形式将其表现、创作出来,以提供人们美的享受。这种美的享受是独特的、不可替代的,因而也是“无价”的。例如“溪趣”这件茶具,其灵感来源于小溪,以绞泥做成一个大茶盘,表现潺潺流水。以小溪中露出水面的石头做成壶与杯,整个作品恰如潺潺流水的小溪。在人们欣赏这一作品时,仿佛置身于山间小溪边,尽情地享受着清新、自然之美,令人心旷神怡。 问:作者的思想感情如何赋予在紫砂壶上? 曹亚麟:作为艺术品,可以是纯艺术的、根据艺术的特性向人们提供美的享受就够了。但是一件艺术作品既能提供纯艺术美的享受、又同时表现作者强烈的思想感情,以此影响欣赏者、使其得到心灵的洗涤和陶冶,这种艺术作品不光有艺术的价值和意义,又有了社会的价值和意义,因而它的价值就更大。例如“竹·君风”壶,是以竹子为题材的一件原创作品。竹子,在中国文化中具有特殊的内涵。历史上有无数文人雅士爱竹,以竹喻人、借竹抒情,创作了无数书画、文学杰作。竹子刚劲挺拔,虚心有节,是一个君子应有的品格。因此作者以紫砂艺术的形式创作了这一作品,以直线为主、曲线为辅,塑造了一个坚硬刚强的艺术形象,同时突出了竹节的表现。还以描写竹子的诗书画作为陶刻装饰,强化了竹子如君子般的优秀品格。让人们得到艺术美享受的同时,又得到了心灵美的享受和陶冶。 问:创新的时代意义如何体现? 曹亚麟:艺术作品要继承传统更要创新,要有个人的风格,同时也要有时代性。这种作品有艺术的价值和意义,同时也才有历史的价值和意义。这是一个艺术家在一生中必须追求并实现的。时代性有许多种表现形式。每个艺术家知识结构不同、角度不同、理解不同、理念也不同。我感觉创意新颖、形式优美简洁、抽象,色彩丰富又对比强烈,这对当今的紫砂艺术来说最具创新性和时代性。因此,我花了很多的时间和精力对以上相关方面做了大量的探索、研究和创作实践,并创作了许多体现这一理念的作品。目的在于积极追求个人独特的艺术风格的同时,努力追求艺术作品的时代性及其历史的价值和意义。 龙生九子 问:怎样去追求紫砂艺术的创新? 曹亚麟:创新是艺术的灵魂。没有创新就没有艺术,没有创新就不是艺术。创新必须拥有大量的艺术专业理论和文化知识的积累,创新是另一个世界。绝大多数人并不知道有这个世界的存在,少数人知道有这个世界,但又不知道如何才能进入这个世界。要到达这个世界要经过“千难万险”、“千山万水”的艰苦跋涉。这个“千难万险”和“千山万水”的艰苦跋涉就是大量综合文化知识和艺术专业知识两个系统知识的学习、研究和积累。这里面没有捷径,必须经历“千难万险”和“千山万水”,并且在学习、研究、大量积累的基础上还要进行“化学反应”,把大量的知识消化吸收融会贯通,转化为自己独特的思想和艺术理念。并将这些独特的理念应用到创作、实践中去,才有可能创作出具有一定艺术水平的自己独特风格的艺术作品。

    紫砂艺术紫砂曹亚麟

  • 冯云华:新派紫砂创造艺人

    2017-11-01 2浏览

    冯云华,1969年出生,国家级工艺美术师、江苏省陶瓷行业协会会员、江苏省工艺美术协会会员、中青年陶艺家。多年来对艺术执着追求,坚持创新,钻研理论,大胆实践,擅长纯手工制作各种紫砂壶。其作品古朴大气,线条流畅,蕴含精、气、神、韵之美。将传统古典元素与时代气息完美融合。 冯云华出生于宜兴丁蜀镇双桥城,这里是紫砂的发源地之一。家族中,奶奶是从事陶罐、药罐、白瓷罐制作的,父亲也是自幼学习紫砂制作的。家庭环境和周围的艺术气息使冯云华对紫砂充满了好奇,深深地被紫砂的魅力吸引。他发自内心的热爱紫砂,并年少立志,将来势必要在紫砂行业有所成就。 冯云华的作品总是能给人一种亲切感,舒适、典雅、古朴大气却不失时代感,既有传统可循,又能够找到新的观念在里面。当代的作品就应该有当代的代表特征,这才能符合时代的气息,不能一味的遵循传统,但也一定要有传统可循。在传统的基础上,找到新的寓意发现美,才是艺术。 冯云华认为,每个艺术家都有自己的手法,把自己对于紫砂文化的理解,赋予紫砂壶新的内涵、新的生命。冯云华打破传统,旋转角度思考,不断地变换着自己的制壶手法,力求于更多的创造富有内涵的、赋有生命的紫砂壶。紫砂壶的金贵就在于艺术家们手法的独特。 醉六方 紫砂文化在中国有几千年的历史,传统的紫砂壶形,已经不能满足人们的审美需求了。所以冯云华认为现在想做紫砂壶,重点是要有创意,这是制作一把好壶的前提。他的作品《一品湘妃竹》就是他的创意之作,壶身点缀紫褐色的斑点,提梁打破传统的圆形,带有竹节看似随意的弯曲带有竹子的韧劲儿,犹如一支高傲的湘妃竹。 冯云华的《唐风壶》,独特新颖的造型闻名海内外,而他的《醉六方》让众多的藏友爱不释手。常见的壶形无外乎方圆两种,即使偶有创新也拖离不了原本的形态,但《醉六方》却突破了原有的形式,在方壶方中融合了圆壶元素,方中有圆,圆中带方,现今为止也很难有人参透它的制作手法。

    紫砂文化新代紫砂紫砂制作

  • 紫砂陶刻后起之秀郑存琳:刀笔从容

    2017-11-01 11浏览

    一件紫砂器,在光影下温润如玉,如一位饱读诗书的翩翩君子。如果配以诗文篆刻,山水花鸟入画,一股淡雅的君子之风更加呼之欲出了。观郑存琳的紫砂作品,就是这样的感觉。 说起郑存琳,不得不先提他的书法老师何勇。何勇在陶都宜兴,是著名书法家。是中国书法家协会会员,宜兴市文联专职副主席。2015年度书法风云创作潜力奖得主。郑存琳跟随何勇学习书法生涯中,书法崇尚二王、赵孟頫等等。再加上郑存琳生于丁蜀镇陶艺世家,从小耳濡目染,艺术熏陶,使得郑存琳在书法、绘画方面打下了扎实的基础。再加优良的遗传基因的作用,郑存琳在入门紫砂陶刻行业便崭露头角,心灵手巧。陶艺经中国陶瓷艺术大师徐安碧先生亲心指导,雕刻陶艺技术更加精进。他兢兢业业,刻苦努力地学习陶刻艺术,所谓名师出高徒,郑存琳在名师指导,自己勤奋的基础上,将紫砂陶刻艺术发挥得淋漓尽致,达到了刀如画笔的奇妙境界。 郑存琳对紫砂艺术追求,永无止境,勤奋努力,毫不懈怠,他的作品入选2005年《紫砂艺术典藏》,2006年《陶瓷艺术名人集》、2014年《陶都传人—2014中国紫砂年鉴》等等。《陶行天下》栏目2013年为其拍摄专题片——“雕刻梦想——郑存琳”。郑存琳以此来激励自己,对紫砂艺术的追求更加精益求精! 细观郑存琳在紫砂壶上表现的山水、花鸟画面,融入明清风格的同时注入自己独有是书画韵味,从而清秀雅致,气韵流动。他以深厚的书画功力,娴熟的传统陶刻刀法,将古朴典雅的紫砂作品完美结合,使紫砂壶更具备艺术性和文化内涵,极大地提升了紫砂作品的收藏价值。 牛盖石瓢 就拿郑存琳的一把《牛盖石瓢壶》来说吧,壶体色泽淡黄,淡雅朴实。壶身是一把石瓢造型,壶盖是为牛鼻造型,可爱有型。“横眉冷对千夫指,俯首甘为孺子牛。”体现着作者的处世之道。这把紫砂壶充满了想象的意境和潇洒不羁的情趣。壶身的一面,郑存琳精心雕刻,使整个画面看上去生机盎然。一叶渔舟从蒹霞苍苍的芦苇中划出,渔舟上有两位渔翁,船头的渔翁在撒网捕鱼,船尾的渔夫在撑篙前行。前端留白处,那显然是水,不见烟波,却见湖水浩渺。近处,老树枝丫、芳草掩映,寥寥几笔,勾画出丰富的渔舟晚唱图。显示了灵活多变的的雕刻技法。壶身靠近壶口处,配有一句诗句,清新典雅,体现了此画的主旨。观此壶,有着一种荡气回肠的感觉! 郑存琳钟爱石瓢壶,石瓢的气韵,和诗词的韵脚相得益彰。凡唐草得二王法,无出其右。默出静思,随意所遇,言不出口,气不盈意,沉密而神彩。诗词布局在一把小小紫砂壶上,经过了郑存琳刀锋的诠释,文人和紫砂的对话由此而深入。看一把紫光幽幽的石瓢壶,由何勇书,郑存琳刻的一句诗:“杖藜晓入千花坞,扁舟荡约五湖春。”字体潇洒风流,文人气息显现。 吉祥对瓶 再看一对《吉祥对瓶》,瓶上书画这是立体3D效果的首创,瓶体高耸,典雅高贵,每只瓶的两边配上一对朱红象头做瓶耳,象鼻垂下勾住瓶体,形成一个圈,每个圈上套一个圆环。可谓工艺高超。大象寓意吉祥如意,因此深受大家的喜爱。这款瓶器身淡雅迷人,紫泥本色,瓶体设计新颖。瓶的一面刻的是郑存琳最拿手的梅兰竹菊四幅画画,下笔精细,每一朵花,每一片叶,都栩栩如生刻画周全,又见生动气息,更见意境。与之相配的另一只瓶上,则刻有梅兰竹菊的诗句,用四种书法显示,一撇一捺都见功力。这是雕刻和绘画书法的完美结合。有人曾曰:如果能拥有这一对紫砂瓶,此生足矣。可见此对瓶惹人喜爱的程度。 一幅画一种意境。我们再来看郑存琳的《六方千筒》,每一面上都有雕刻画作和书法作品。他在刻画古意昂然的书画时,采用多种刀刻手法,或苍劲有力,或吴带当风,呈现出神奇的艺术效果。当一只淡黄色彩的《六方千筒》出现在众人眼前时,其艺术魅力,立即倾倒了观赏者。这瓶,呈六方形状,高耸挺立。朱红紫泥胎体,六面刷上淡黄浆泥,便于雕刻。其中的一面可有一副山石人物图。一悬崖峭壁的平台上,有一老僧独坐,神态安详。山上一松苍劲,探首观望,如黄山之迎客松,山石之间配有杂草树枝,一副生动的老僧入禅图出现在眼前。六面中的其中一面是为一副花鸟图,遒劲树枝蜿蜒向上,顶端一花嫣然绽放,花大如盘,生机盎然。有小鸟停在树枝上,仰首观望花儿,那俏生生的模样活灵活现,怎不叫人心生欢喜?另四面刻有不同字体的书法,或苍劲有力、或飘逸轻盈、或俊秀雅致。使得筒、图、字交相辉映,相得益彰,尽显文化韵味!这一种艺术的玉露,汇聚成涓涓细流,源远流长! 郑存琳制作的紫砂作品,艺术底蕴如此深厚,让人欣赏雕刻艺术的同时,感受到了心灵的喜悦,那是一种美的享受。我们不妨再来欣赏一把《汉方壶》。此壶传承紫砂壶精髓的风貌,圆鼓四方的壶身,壶嘴短而方,气韵丰沛。壶把纤细流畅,形态优美!壶盖高高隆起,上配半圆形桥型壶钮。因为壶身的饱满,使得雕刻的画作更为丰盈。壶身的一面,也配有一幅图:小松含瑞露,好鸟鸣高枝。苍松的松针都清晰可见,小鸟羽毛甚至绒毛都灵活生动,它在歌唱四面呢?或许在歌唱阳羡好风景,或许在呼唤伴侣赶快来相伴,或许演绎一段鸟的爱情故事…… 这一件件紫砂器,一幅幅画,一个个字,古朴中带着诗情画意,江南风光,水墨人家的特色,在郑存琳的刻刀下生动传神!这优雅的艺术感受,让人如饮了香醇老酒,如痴如醉,陶醉于其间。山水有灵,风景佳绝,花鸟灵动,生机勃勃。我们在观赏郑存琳紫砂雕刻艺术的时候,感受到大自然的美妙真实,不觉合入自然,闭目凝神,流连在这水光山色、花鸟鱼虫间。

    陶刻名家紫砂陶刻紫砂器

  • 花器大师顾道荣印象:岁月有痕入壶意

    2017-10-30 5浏览

    阳羡潜洛,一个名不经传的江南村落,却是紫砂陶艺的发源之地。在这个几乎人人都从事制陶的乡村,不知诞生了多少个紫砂家脉,也不知走出了多少代紫砂艺人,江苏省陶瓷艺术大师、高级工艺美术师顾道荣在这个洒遍了无数泥土芬芳的灵气之地成长,从这片村落中留下了一个个关于他与花器的不懈缘分。 生活在潜洛村,边耕种边制壶的父母,是顾道荣的启蒙老师。旧时的乡村,孩童们的娱乐非常有限,跟在父母的脚边玩着紫砂泥巴,捏造成各种有趣的造型似乎对他来说更具诱惑力。久而久之,顾道荣在父母的教译下从捏塑小玩意开始学习制作紫砂壶。到1955年,他作为紫砂制壶能手加入了陶业生产合作社,开始了他的制壶生涯。当1957年,潜洛又办起了紫砂工艺厂的时候,壶艺进步神速的顾道荣又被委以重任。当时的紫砂厂高手云集,裴石民、朱可心、蒋蓉等紫砂巨匠对后辈们从来都是不吝指导。当时年轻的顾道荣,谦逊而富有灵气,总能引得诸位大师对他诸多提点,出了技艺上的精益求精,他对于紫砂艺术的多方面内容也有了更深层的了解。在陶业社的短短两年时间,却是顾道荣的紫砂技艺最初的飞升时期,作品逐渐有了自己的风格,尤其是紫砂花货轻灵精巧,飘逸洒脱。 在紫砂壶发展的几百年间里,有着从万历到明末的高峰时期,也有咸丰、光绪末年的发展低谷,几番曲折,却都没有让紫砂艺术停下发展的脚步。当顾道荣在新办的紫砂厂准备一展拳脚时,那个特殊的时代迎来了紫砂壶业的又一次曲折。在那个特殊的社会环境下,紫砂壶也被列入了封资修,顾道荣紫砂厂的工作也被迫中止,按照当时的政策他被下放回到了农村。从事紫砂制壶以来,接连不断的突破和进步已经让顾道荣对紫砂艺术痴迷不已,环境的突然改变,已经无法斩断他和紫砂之间的联系。回到家中以后,他白天在田里做农活,晚上在回家偷偷地制壶。 天伦之乐 塞翁失马,焉知非福。在回家务农的那几年中,顾道荣整日里在乡间田野里奔波,满心满眼的都是闲适怡人的田园风光,四时不同的作物,乡间特有的野花小草,房前屋后的竹林菜园……都是与自然最为直接的碰触,把自然的灵动和亲切留在了顾道荣的脑海中。没到晚间,顾道荣就坐在泥等上,点着灯,把白日里见到的风光与美景留在紫砂壶上。在那偷来的时光里,他制壶比从前更加努力,也更加的珍惜。他默默地在坚持心中对艺术的追求,从不轻言放弃。这几年的乡村生活,在顾道荣的生命留下了重要的影响,即使后来重返紫砂厂,他的作品也一直保留着亲切的田园气息。 值得庆幸的是人们并没有在岔道上走的太远。1987年,顾道荣又重新回到了紫砂厂,多年来压抑的创作激情一时之间喷涌而出,他以极大的热情在半年的时间里就创作了20多件紫砂精品。在之后的岁月中,更是如鱼得水,他一次次的将人生融入到艺术的创作中,用紫砂壶来证明自己的价值,用紫砂壶来倾诉对艺术的不懈追求。 顾道荣大师是一位多产的紫砂创作者,对于当年被迫在家务农的几年,他一直是遗憾而又无奈的,他期望能在之后的岁月中用更多更好的作品来弥补那一段的缺失。他的作品风格独特,带着浓郁的生活气息,散发着乡土的芬芳,充满了对生活对未来的热爱和积极的情感。 圣思桃杯 顾道荣大师的作品多为紫砂花器,尤其是他相伴多年的乡野风光,真实而质朴的情景给他带来了创作的灵感。他的《秋趣丰收壶》壶身为一串横卧的葡萄,粒粒圆浑饱满。葡萄上连着的断藤就是此壶的壶嘴,藤上生出的一片叶子贴在葡萄上,就像是一只大手轻轻托着那丰硕的果实一般。葡萄的另一端是一根弯折夸张的枝干状的壶把,流把相称相对,富有情趣。壶盖更加的精妙,是一片树叶飘在壶身,叶面上脉络清晰,筋纹交错,在叶柄边还长出一串迷你可爱的葡萄,壶盖上飞来一只秋蝉,复眼圆鼓,轻薄的模翅收合在身体的两侧,细细地足肢有力地抓住叶子,一幅生机勃勃的样子。天高气爽,秋蝉声声,枝头硕果累累,正是一派丰收的好气象。 有时候,顾道荣大师把创作当成是回忆,记录下生命中曾经或在现在仍旧重要的存在,寄托自己的情感。记得,还是农夫的他,在当时还是一位种南瓜的能手,为了种好地,关于南瓜他没少做研究。一把以南瓜为形的《田园风情》壶,记录了他当初的辛劳与成果。此壶用三种颜色的紫砂泥搭配而成。黄色的壶钮是扭曲的瓜柄状,修长伸展。壶盖嵌入壶身,两者衔接紧密,浑然一体。红色的南瓜壶身,丰满硕大的样子,让人满眼生笑。扁球形的南瓜表面满是浅沟和筋纹,把自然的纹理表现的淋漓尽致,也在那细微的沟肋中可以看出当年顾道荣的用心。南瓜叶卷成的壶嘴,舒展自然。南瓜藤弯成的壶把,一条条筋纹整齐有序,从上至下有粗变细,在静态的壶上创造出流动的动态来。瓜藤顺势从壶把延伸至壶身,带着几朵黄色的小花,把整个紫砂壶点缀得轻灵秀丽。翠绿的枝蔓在壶上蔓延生长,一个刚成型的绿色小南瓜也挂在叶边,一红一绿,一大一小两个南瓜,相映成趣。壶身上零星的点缀着几个瓢虫,红的,黄的,绿的,细致地让人感动。最为质朴的寻常事物,营造出了一幅金秋时节生机勃勃的景致,让人感受到生命的活力和未来美好生活的向往。 雅趣 在紫砂艺术上,顾道荣大师继承了传统的制壶技法,而对于作品的创作,他也有着自己的独特见解。紫砂艺术是对生活的赞美,也是对文化的传承。他从博大精深的传统文化中选取创作的灵感,以紫砂壶的形式来宣传和继承文化。在中国的传统文化中,万物皆有灵,天地人都是想通的,一花一草一物都关情。秉承着内敛含蓄的中国人,不善于直接坦诚自己的情感,于是就有了托物言志,借物抒情的表达方法。他的《祝寿壶》就源于古老的吉祥文化。壶身是一竹筒,上下连着竹节,上部突起的则是壶盖。一截壮硕的竹枝制成了壶嘴,线面温润又充满了力度,色泽青翠欲滴,舒展自如。边上横出的细枝把竹叶长到了壶身,把竹的飘逸俊秀展现在人们眼前。遒劲的桃枝是壶的另一侧弯成了壶把,树枝上疤痕连连去不妨碍它认真积极的求生意识,带着新老交替的桃叶装饰这壶身,在片片桃叶间,一朵红色的桃花绽放着它的娇美,旁边是新生出的嫩桃,才刚刚有了“桃”的形,就已经三三两两的透出头来,仿佛是预示着不久之后的累累硕果。壶顶是一只顽皮的小猴,坐在松枝上,一手还碰着嫩桃,两只大大的眼睛无辜地望向前方,脚下踩着绿色的松针。“竹”既是“祝”,这把紫砂壶中包含这作者深切的祝福。“桃木”是古人用来避邪纳福的灵物,“桃子”也是健康长寿的象征。四季常青的“松”,象征着青春常在和坚强不屈。几种富含美好寓意的形象被作者巧妙地设计在了一起,把古老的文化和秀美的自然相融,在美妙的视觉享受中,感悟作者的美好祝福,祝愿平安、健康、幸福、长寿。这也是几千年来人们一直追求的美满之源。 顾道荣大师的作品,充满了对生活的热爱,即使遇到挫折,也仍旧积极地面对人生。这样的他,在紫砂艺术面前一直保留着最初的虔诚,紫砂是他的追求,也是他的生活。几十年来,他对于紫砂创作一直激情不变,即使是收徒授业的忙碌时期,白天精心授课,他也不忘把晚上的时间留给自己用于紫砂壶的创作。

    顾道荣紫砂艺术紫砂花货

  • 陶艺大师蒋小彦:浓浓紫砂情

    2017-10-30 5浏览

    中国汉代的散体大赋,体现了那个时代的感性外向、宏阔繁富、博大雄奇、豪迈巨丽的审美文化特征。就物器艺术而言,汉罐的雄浑古拙,为后代陶艺的犷放瑰丽,提供了一个不可或缺的范本。我们看到的一些珍贵的紫砂老壶,其丰圆腴满的壶身上,依然保留着从汉代演变而来的峭拔稳重的身影。 在群星璀璨的紫砂艺人中,蒋小彦的紫砂作品,继承了大汉的敦厚、丰满、舒张、奔放的特点。紫砂壶盈盈一握,为人所用;一撮茶叶,一壶水,那么小的一个掌上珍玩,除了凡俗的感性情趣,它还能承载什么呢?蒋小彦用他的壶艺告诉我们,哪怕是一个局促的、狭小的空间,也可以融合在宏伟雄大的构架之中。这雄大,是自由的,亲切的,带着平民的气息,带着菜根的清香。 金沙宝鼎 蒋小彦擅长制作粗犷宏伟的壶器。粗颗粒的紫砂土,到了他的手里,常常变幻出阳刚威猛、力拔九鼎的力量。《金沙宝鼎》以商周时期至尊无上的方鼎之体入壶,直流冲天,四足雄腴,吴楚风格的回旋纹饰,简略而开张。 陶家佳人 《陶家佳人》是蒋小彦的代表作,器型为清华大学张守智教授设计,那一柄飞天提梁,蓄含了万重千钧之力,五千年诗魂文骨,看佳人遗世独立;壶体乃一葫芦,丰腴,挺拔,谁家有女初长成,阳羡溪头吾独尊;风萧萧兮莽昆仑。铗冰雪,漫天舞,境界超然一壶春。壶中浩气养天地,春江放舟乾坤。 蒋小彦常常在中国书画的法度中寻找制壶的灵感,那笔法圆润、结体疏淡、率性无拘、随意自然的古碑汉韵,看似不经意,实则精能奇古,功力深厚,笔墨之间,意韵萧散。他把它们融进紫砂壶里,在“大汉”的旗幡下,那壶,端的是遒媚相生、气韵淋漓,正所谓,抚琴动操,欲令众山皆响。蒋小彦总是在那灯火的阑珊处,呕心沥血、默默耕耘。交给壶迷朋友的,常常是一份意外的惊喜。

    紫砂壶紫砂作品紫砂老壶

  • 杨永善谈紫砂大师鲍志强紫砂艺术:融文

    2017-10-26 7浏览

    宜兴紫砂,是当地陶工以宜兴独产的紫砂陶土为原料,设计制成以茶具为主要代表的、既有优良的日用功能又有优美的欣赏价值的无釉细陶。进入艺术殿堂后,在世界陶艺之林独树一帜而享有盛誉。紫砂历史上曾出现过供春、时大彬、陈鸣远、陈曼生等许多名工巨匠,他们都以各自的创新和艺术风格留下了辉煌的一页。 鲍志强曾经是我院(原中央工艺美院)的学生,当代屈指可数、声誉卓著的紫砂艺术家。他以深厚的艺术修养和专业素质,高屋建瓴的审美气度以及勤奋敬业的艺术精神,从而在中国陶艺界享有极高的声誉。 他在博大精深的中华传统文化中吸取和继承优秀,并把其精髓的内涵反映到自己的创作作品中,展现他自己个性化的艺术风格,弘扬和发展了紫砂文化和艺术,成为集设计、制作、陶刻书画装饰于一身的紫砂大家。他的艺术创作历程生动辉煌,为中国陶瓷艺术写下了一篇篇光彩的华章。他的作品文化上融汇古今,造型典雅端庄,陶刻书画生动自然,金石味浓郁,手法挥洒自如,品位高雅文秀,凝聚了古老东方艺术的神韵和时代的审美情趣。 八面来风茶具 鲍志强,字乐人,1946年出生,1959年进紫砂工艺厂学习紫砂工艺,最初师从谈尧坤和范泽林学习陶刻。紫砂陶刻是在紫砂装饰中,最常用又最见工夫的一门工艺,其难度主要在于熟练掌握书画技艺,并有较高的文化素养,在宜兴紫砂界常把刻字艺人称为先生,以示其文化。鲍志强先生在学习陶刻的同时,又随名师吴云根先生学习成型工艺。紫砂陶器传统成型方法是采用“打身筒”和“镶身筒”两种方法,整个过程多以手工操作为主。掌握紫砂成型工艺难度较大,需要经过严格训练,少则几年,多则几十年,其中微妙变化,不仅需要名师点拨,更需要个人的悟性及刻苦的学习。 在吴老严格要求下,鲍志强踏踏实实练习制壶的基本功,认真临摹古代大师的精品之作。他的勤奋和积极进取的精神,被著名的紫砂陶刻艺人任淦庭先生看中,正式收为入室弟子。在任先生的指点下,认真学习古代书法的法贴,临摹元四家、四王、任伯年等大家的国画作品。长期的严格训练,使他在扎扎实实掌握了书法、国画和陶刻艺术功底的同时,练就了一手高超的成型工艺,为后来的创作打下了扎实的基础。 古风 紫砂壶艺历来就是造型制作和装饰陶刻有着明确的分工,即制壶的人一般不陶刻,而陶刻的人一般都是有文化的艺人。鲍志强先生则是既从事紫砂壶的造型设计制作,又亲自操刀陶刻装饰,这在紫砂艺术界是不多见的,就是在整个陶艺界,能够自己独立完成造型和装饰的设计和制作,也是难能可贵的。 鲍志强是一位极具艺术天赋的陶艺家,加之他的勤奋好学,年轻时,就在同代人中的表现突出。因此,在一九七五年,他被选送进中央工艺美术学院举办的陶瓷艺术设计进修班学习,为期一年,全部集中学习大学本科的专业课程。鲍志强在装饰班学习。当时由于“文革”的原因,学院没有招收本科学生,系内的教师全力以赴进行教学,教学质量和效果是非常显著的,学员水平提高之快是前所未有的。装饰班的任教老师有白雪石、陈若菊、侯德昌等人。鲍志强原有比较好的美术基础,且学习刻苦,是成绩优秀的学生,同时他热情助人,关心集体,受到同学的拥护,在学习方面起到了带头作用。 金声玉振 白雪石老师是我国当代著名的山水画画家,在他的指导下,鲍志强刻苦钻研,善于学习,山水画在原有基础上得到很大的进步。对白雪石先生的构图、用笔、着色都学得很深入,不仅学得象,而且学其根本。在学老师作品的同时,还用心临摹大量古人山水之作,用心消化体会、结合写生,逐渐形成自己的风格特点。他在学习山水画同时,还学习临摹花鸟画,不管是梅兰竹菊,还是花鸟虫鱼他都画,用心临摹青藤、白阳、八大等古代大师作品,体会他们笔墨、造境的方法,并为所用,他把这些结合于紫砂陶刻之中,以刀代笔,寻求纸上表现不出的金石味。他当时创作的紫砂陶刻作品,仍然收藏在学院的陶瓷艺术设计系,作为教学的示范作品。 陈若菊教授是著名的装饰艺术家,她的图案创作和教学对鲍志强的影响是深远的。他学会了认识和理解传统图案的精髓,掌握了写生变化的方法和指导思想,从生活中和自然界汲取素材,创作设计新的紫砂装饰。学习图案使他更进一步认识了传统图案包括陶瓷、玉器、青铜器、漆器、织绣、印染、石刻、雕刻等装饰规律和装饰特征,同时也掌握了运用这些传统图案来处理紫砂装饰,加强了装饰的形式美,装饰手法得到极大丰富,开拓了设计的思路。 龙翔提梁壶 对于书法的学习和研究,鲍志强始终都未中断过。在美院学习期间,他常常带着自己的作品求教美院老师,其中对他最有影响的便是侯德昌教授。侯先生书法是书家字与画家字相间,以篆书用笔结合隶书的结构,使得他的书法圆中见方,刚中显柔的意趣,通过跟侯先生的学习,打开了鲍志强的视野,在后来较长一段时间里,他的作品中还可看到这种影响。有了这些真功夫在手,鲍志强在书法装饰方面独辟蹊径,不断超越自我,形成了自己独特的书画艺术风格和陶刻装饰艺术风格。 紫砂艺术在历史上之所以能够取得如此巨大的成就,形成独特的艺术传统,就是因为文人与艺人的合作,以及紫砂艺人的逐步文人化,使作品不仅在工艺上技艺精湛,而且还有浓厚的书卷气。鲍志强本人的专业技能和艺术修养,就是师徒传承与学院教育融合的结果,集文人和巧匠为一体。正如古语“博观而约取,厚积而薄发”,此后,他创作设计的作品连续四届获得全国陶瓷艺术设计一等奖,并有许多件作品在国内外参加重大展览。其中,2003年一套名为“紫玉飘香”的多件套茶具设计最具代表性,在把握造型形态,配套之间的联系,整体之间的和谐诸方面,达到了得心应手的境地,这套茶具设计的配套主次分明,既变化丰富,而又和谐,格调高雅,赏用结合,是一套优秀的紫砂陶艺作品。 年年有余 在欣赏鲍志强先生的作品时,我们能感受到一种悠闲、典雅的静态美,这是中国传统美学中“书卷气”或称“文人气”。他在紫砂茶具的造型方面主要吸收传统的形式,更为重要的使其得到郑可、韩美林、张守智等艺术设计大师在造型设计、创意上的交流学习,从而不断拓宽了他的创作思路。他的壶艺创作构思独特,意境深远,造型新颖,简洁抽象,极具视觉冲击力,总是令人耳目一新,制作技艺十分精湛,其陶刻装饰从内容到形式,与造型水乳交融,陶刻刀法精致细腻,他的每件作品都是精益求精,精美绝伦,令人爱不释手。他的作品简洁抽象,装饰诗情画意,书法文雅,笔墨优美,散发着书卷气息。他的作品中,既能看到深厚的功夫,更为重要的是品味出其鲜明的、赋予时代的个性语言,深得国内外许多专家的喜爱和壶艺爱好者的一致赞赏。他充分利用自己高超的紫砂造型、书画陶刻等多项技艺优势,将紫砂造型艺术与陶刻艺术融于一炉,创造了风格独特的“紫砂文化性”设计思路。 他的陶刻艺术,在国内外具有很大的影响,他从十五岁进厂的第一天起,就苦练书画基本功,至今从未间断。他在书画上进行了长期的学习和研究,融会贯通,不断探索、实践、创作,总结并形成了自己独特的装饰艺术理念,创出了自己独特的陶刻艺术品格。他在传统书画艺术方面极具修养。紫砂装饰题材多样,国画形式有山水、花鸟,书法形式的有篆书、隶书、楷书、行书、草书,同时还在图案装饰方面有新的探索和突破。 天趣 他的国画在用笔方面是特别讲究的,勾线和皱法是极具功力的。他的书法,真、草、隶、篆、行五体用笔不同,各具特点,其中以行书与篆书最具特点。我的一位从事美术理论研究的朋友,看了鲍志强设计和镌刻的竹节篆书壁饰梅尧臣诗:“小石冷泉留早味,紫泥新品泛春华”给予高度评价,认为他的篆书当属国内一流的,与书法家相比毫不逊色,而且在紫砂陶坯上刻写,更是不易。同时,他把书法国画的笔墨、色彩,在陶刻上的应用,以及各种新刀法和陶刻工艺的精益求精等方面进行了大量的研究、探索和实践,极大地丰富了陶刻艺术的语言,大大地提高了陶刻艺术的艺术品位和艺术价值。他的陶刻艺术,独具匠心,耐人寻味。多年来,他创作了大量的陶刻艺术作品,他继往开来,为完善陶刻艺术,作出了历史性的贡献,他也成为继陈曼生之后,又一位紫砂陶刻的巨匠。 从鲍志强先生的作品中,我们可以看到,他对紫砂陶艺传统有着深入的理解和继承,他善于把在紫砂陶艺以外学到的文化、艺术方面的知识运用到创作之中,并逐步形成了自己的艺术风格。纵观他的作品,他无论在紫砂壶艺方面,还是其他形式的作品上,所反映出来的中华民族情感以及民族表现形式,都充满着超然物外的艺术神韵和引人入胜的精神魅力。(杨永善,清华大学美术学院陶瓷艺术系教授、博士生导师)

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